写实油画的静谧之美,艺术展门票价格逐年上涨

2019-10-21 作者:现代文学   |   浏览(175)

  继2014年在上海K11举办的莫奈特展大获成功后,业界对艺术展开始予以重视与关注,国内展览逐渐走热,尤以上海为甚。而上海莫奈展门票每张100元的高昂票价也成为展览的另一趋势。前些年艺术展览门票还多保持在20元左右的收费标准,如今少则五六十元,多则上百元,就连某些画廊都收起了门票。而在这背后,究竟发生了什么?

  在不久前结束的中央美术学院毕业生作品展中,城市设计学院绘本创作工作室的作品再次大放异彩。无论专业评价、社会口碑还是参观量,都创近年新高。这一现象也再次引发人们对绘本创作人才培育的关注。

  近日,由势象空间主办的“超然——中国油画名家邀请展”,汇集了徐芒耀、杨飞云、郭润文、冷军、李贵君、朱春林、常磊七位当代颇负盛名的油画家的共40余幅作品,其中大多为近作,反映了中国当代写实油画的近况和油画家们的思考与探索。

  展览门票高价原因何在

  虽然“绘本热”已有多年,但与引进版相比,我国原创绘本仍处于“在寂寞中坚持”的阶段,原创作者少、专业编辑缺、资金支持匮乏等因素,使得原创优秀绘本寥寥无几。而成功率低、回报率更低的现实窘境,也使得原创作者步履维艰。更为深层的问题是,我国只有极少数高校开设了相关专业,且大多处于探索阶段,在课程设计上还有很多争议。而在社会层面,绘本人才的进修渠道几近为零,以致有志者只能自学成才。因此,在绘本的社会需求巨大的背景下,原创绘本人才培育急需破题。

  品读过这些作品后,我的第一观感,竟然是这几年一个被文艺青年们用滥的词:岁月静好。是的,这七位画家提供的40余幅作品,可以归纳为是在描绘静静的人,静静的景,静静的物,静静的心情,正如朱春林的一幅作品的名字《静静的时光》。对这七位油画家来说,“万物兴歇皆自得”,他们始终保有一颗静好之心。这是一种难得的心境,无此心境,实难创造出一种古典之美。古典之美的极境,是德国艺术史家、人类学家温格尔曼总结的“高贵的单纯,静穆的伟大。”德国哲学家黑格尔在评价古希腊艺术时,也有相似的表述。而在中国明清画论中也极力主张“画贵有静气”。看来古今中外的古典艺术,确实有某种共同追求。人类生活本身即营造出古典之美,静静的人,静静的景,静静的物,流淌过静静的时光。那些东西,那些时刻,那些心绪,或许当时只是短暂瞬间,但一经沉淀,便成永恒。用古典主义的美学态度来描绘生命中静静的时光,这是一种超然的艺术精神,是人类意识深处的需求。对于静好的东西,须古典地表现:既静好,且古典,必超然。

  展览门票价格上涨是有迹可循的。与早些年不同,这些展览背后的公立机构正在慢慢消退,民营艺术机构逐渐成为背后的金主。在国内举办一场西方艺术大师作品展,大多得投入数百万元至数千万元。这些年西方经典作品的价格持续上涨,囊中羞涩的公立机构只得退出,而这也正好给了民营新贵涉足的机会。

  中央美术学院城市设计学院绘本创作工作室在国内高等院校中首开绘本教学先河,经过十几年的教学探索,建立了一整套自主创新的绘本教育体系,已培养出一大批懂绘本、懂出版,具有策划、编辑和绘制能力的年轻创作力量。目前在工作室辅导下已陆续出版绘本40余册,部分已输出国外版权,并获得国内外诸多奖项,在中国原创绘本教学和品质上起到引领和典范的作用。日前,记者采访了该工作室部分老师和毕业生以及相关领域的专家,以期呈现他们的经验和思考。

  但其实,所有的静好和超然,又都是因为距离。一切看似写实具象的古典主义表达,都有森严如雷池的审美距离:艺术家与世界的距离,二者好像永不同框。冷军画了《画室写生》系列,这是他最熟悉也最容易找到存在感的场所,但是我却感觉到他同画室的疏离。他使用了手机全景移动拍摄的宽银幕构图,从左到右,视线划过画室——从不同的角度让观众看清这个特殊的文化空间。它们有一种影视画面的即视感,真实,却有距离。画家疏离这个自己的存在空间,且抱持超然物外的姿态。其实,冷军一贯的超级写实,又何尝不是超然物外呢?

  如2016年北京山水美术馆的“毕加索走进中国”展览背后的出资人就是地产财团。看得出这场展览花了重金打造,它的宣传、场馆设计都“含金量”十足。但也因为这一点,展览的内容似乎没有受到同样的重视,这和背后金主的专业度不够有着直接的关系,中央美术学院美术馆学术部主任王春辰直言:“从国际美术馆系统来讲,没有任何一家会做这样的事情。如果要大规模去做一个艺术家的展览,必然会从学术研究角度出发。即便是面对毕加索几张简单的作品,也会很认真地对待,不会做成一个噱头。但凡做成一个噱头,都不是美术馆该做的事。”即使金主财力丰厚,有着大量藏品,不够专业这一点就直接影响了整个展览。展览看的是内容,看的是作品里传达出来的思想,不是光靠砸钱换来的光鲜亮丽的外壳可以替代的。这样办出来的展览没办法让一个热爱艺术的人解渴。

  发现“本心”,

  这种超然物外的姿态,在展出的肖像画中也同样表现出来。杨飞云的《簪花仕女图》维系着他的新仕女肖像惯有的“可远观而不可亵玩”的距离感,即令走出画室深入百姓生活所画的普通人系列肖像中,肖像人物虽然已经嵌置于其生活的空间,但直视的目光,还是让人感觉到了互为“他者”的陌生。徐芒耀的《英子》、郭润文的《萌娃》、李贵君的《迷失》、朱春林的《报喜天使》、常磊的《美卉》画的全是女孩,又何尝没有这种难以言说的距离和超然呢?郭润文给他画的一幅红衣女青年的侧面肖像取名为《距离》,他要刻意保持的距离,到底是什么呢?没有距离,就没有超然物外的姿态,也就失去了艺术的表达。因此,七位油画家洁身自好的距离和超然,便获得了坚守艺术的诠释,因而弥足珍贵。

  此外,大型展馆举办规模较大的国际借展,一般要提前一两年对展品进行深入了解,才能开始布展。据了解,美国纽约大都会艺术博物馆曾举办过一个有关中国艺术的“走向盛唐”展,专业策展团队前后耗费了6年。而同一主题,山水美术馆的展览从选定方案到实施前后仅3个多月,这对一家成立未久的民营美术馆而言,有些急于求成了。与公立机构立足公益性不同,这种由民间资本主导的大师展,大多要以门票收入、赞助和衍生品销售来收回成本。因此,它们对人流量有着较高期待。

  变成感性丰富的杂家

  画家超然观察世界的目光,永远内含古典的秩序。这种秩序其实并非源于自然,而是画家心灵中的“绝对律令”。李贵君的《一切是否完好如初》里的那位姑娘,张开十指,想要尽力推开眼前那道完全透明,透明到好像并不存在的“墙”——这就是距离,它隔离了世界,只能这样隔空对视。李贵君以古典的唯美主义超然而优雅地进行表达,取得一种“间离”美学的效果。距离产生美,这美因此朦胧恍惚,使李贵君的人物画有了某种魔幻诗性,这或许也是一种艺术的超然。浪漫的玫瑰会永不凋谢吗?那只蜻蜓会落到少女的莲蓬上吗?没有答案,恰如他画中出现过的少女直视的双眸和女孩怀中黑猫警觉的黑瞳。

  另外一方面,一个优秀的、有质量的展览办起来,本身所需的投资就很大,如展厅设计与制作就需要较大开销,而国内很多展览都需要向国外借展,在运输和保存费用上又是一大笔费用,要做成一个高质量的展览成本很高,因此收取一定的费用也很正常。但即便票价提升,也抵不了前期成本的投入,所以不要看票价高,主办方可能还回不了本。

  合格的大学教育,应该培养具有完整人格和独立精神的人,而不是制造一个个“社会成品”。绘本教学的首要原则是不迎合出版市场,不搞“产”字当头,而把教学和研究放在首位,依照绘本创作的自身规律,做出引领中国出版市场的绘本,再行“学以致用”之道。

  朱春林的景,常磊的物,也在表达着一个古典主义者的超然理性——“万物皆有秩序”。在看似随意截取的北方景色和窑洞里,美的秩序井然而在;在随意堆放的萝卜、红薯、藕和梨里,形色之美悄然而至。万物无贵贱,秩序赋予美——这是事实,也是信念。

  什么样的展览值得高票价

  作为中央美院绘本创作工作室负责人,杨忠也是“第一个吃螃蟹的人”。12年来,如何“教”,并教出“高度”,是她面临的最大课题。经过深思熟虑,该工作室本着“学术为先,应用为本,推崇新意,关联社会”的原则,在课程设置上将“学、研、产、用”相结合,通过年复一年的教学实践逐步整理和完善了绘本教学体系。

  (作者:王鲁湘,系知名文化学者)

  在面对展览票价的普遍提升时,我们需要有一双会辨别的眼睛去识别有价值的展览。

  “学生在大学三年级时进入工作室,这一年会培养他们初步建立绘本创作思维和创造性思维、绘本审美力以及思维方法的落实,通过理论讲述和案例解析,虚题实做(如自选题小书的制作,翻页连贯的视觉呈现)和实题实做(进入出版流程)等,达到这一目标。比如,学生们的第一门课程“绘本造型基础训练”教他们学会刻画人物和在画面中表达情绪;学会运用情绪,刻画拟人化的动物;学会把握人物性格,创作合适的环境;学会理解大师作品,在临摹中学习方法;学会用画面讲故事,懂得收集并利用资料;学会如何用翻页讲故事,建立绘本书籍创作思维等。进入四年级后,学生便要完成独立创作的绘本作品,包含文稿、绘制、排版、装帧等多方面的能力体现。”杨忠说。

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